Directores de cine

El director de cine, en algunos casos también cumple la función de realizador, es la persona que dirige el rodaje de una película, da instrucciones a los actores, decide cómo debe moverse la cámara, supervisa el decorado y el vestuario y está pendiente de todas las demás funciones necesarias para llevar a cabo un buen rodaje.

La importancia que se le ha dado al director en la historia de cine ha ido cambiando. Por ejemplo, en la época de oro de Hollywood, la persona más importante en la creación de una película era el productor, y el personaje más relevante era el actor o la actriz, y el director era en la mayor parte de los casos, un técnico que dirigía cada día el rodaje.
Fue primero en primero en Europa y más tarde en Estados Unidos donde el director fue adquiriendo mayor relevancia hasta llegar a considerarlo como el autor de una película.

Es difícil hacer una lista con los mejores directores de cine de los últimos 100 años si tenemos en cuenta que el séptimo arte es el más joven y apenas tiene un siglo de vida.

La revista Total Film ha elaborado un listado en el que podemos consultar cuáles son los 100 mejores directores de la Historia del Cine.

Alfred Hitchcock es el director número uno del ranking. Hizo un cine en el que prestó atención al más mínimo detalle. Sus películas han pasado a la historia como un legado importantísimo para la historia del cine. Es figura indiscutible del cine de misterio y de intriga. Fue nominado al Oscar como Mejor Director en numerosas ocasiones.
Entre sus películas están “Los pájaros”, “Vértigo”, “Psicosis” o “La ventana indiscreta”.

Francis Ford Coppola, el padre de la saga de “El Padrino”, ha conseguido ser uno de los directores más galardonados a nivel internacional y sus películas han conseguido cinco Oscar, con la presencia de una de las sagas más destacadas e importantes de la historia del cine.
Entre sus películas también están “Apocalypse Now” “Drácula de Bram Stoker” o “Sleepy Hollow”.



Orson Welles alcanzó la cima de mundo cinematográfico con su mítica película “Ciudadano Kane”, una de los films más destacados en la historia del séptimo arte.
Aparte de director, fue actor, guionista y productor de cine estadounidense. Es considerado uno de los artistas más versátiles. Alcanzó el éxito a los veintitrés años gracias a la obra radiofónica “La guerra de los mundos” que más tarde llevó a la gran pantalla.

La revista Entertaiment Weekly ha publicado una lista con los 25 mejores directores de cine que se encuentran activos en la actualidad.
Entre los 25 aparecen dos directores hispanoamericanos: Guillermo del Toro (México) y Pedro Almodóvar (España).

En el primer puesto se encuentra Steven Spielberg, director, productor y guionista cinematográfico estadounidense. Ha rodado películas como “Tiburón”, “E.T el extraterrestre”,  “Gremlins”, “La lista de Schindler”  con la que ganó un Oscar al Mejor Director o “Salvar al soldado Ryan” en la que también fue galardonado en la misma categoría. Por “El color púrpura”, fue nominado como mejor película, pero no fue nominado como mejor director.



Le siguen Peter Jackson director de “El señor de los anillos y “El hobbit” y Martin Scorsese con “La invención de Hugo”, “El aviador” y “Gans of New York”.

Otros directores destacados son Quentin Tarantino (“Pulp Fiction”, “Kill Bill”), James Cameron (“Titanic”, “Avatar”, “Terminator”) , Tim Burton (“Pesadilla antes de Navidad”, “La novia cadáver”, “Sombras tenebrosas”) o Clint Easwood (“Los puentes de Madison”, “Invictus”, “Sin perdón” “Million dólar baby”).

Si bien España es reconocida por un sin fin de cosas, una de ellas es su cine. Entre los directores españoles más afamados están:

Alejandro Amenábar, con 19 años, presentó su primer corto “La cabeza” que obtuvo el primer premio de la Asociación Independiente de Cineastas Amateurs (AICA). Ha ganado nueve premios Goya y un Oscar. Ha escrito los guiones de sus cinco películas y ha compuesto casi todas sus bandas sonoras.  Entre sus películas están “Tesis” thriller con el que debutó  “Ágora”,  “Mar adentro”,  “Tesis” , “Abre los ojos”  y “Los otros”.


Pedro Almodóvar es el que mayor resonancia ha logrado fuera de España en las últimas décadas. Ha recibido los principales galardones cinematográficos internacionales, entre ellos dos premios Oscar, en diversas categorías.

El cine de Almodóvar cultiva un naturalismo que destruye el usual costumbrismo burgués del cine español.
Suele representar, por el contrario, una realidad marginal y abunda en elementos escandalosos y provocadores: policías corruptos, consumo de drogas, maltrato, prostitución, niños precoces, paletos filosóficos, marujas desesperadas, homosexualidad desgarrada... todo ello sin renunciar a su humor irreverente y sin dejar de provocar con heterodoxas escenas de sexo.

Al margen de su actividad como director de cine, es uno de los más importantes productores españoles, su compañía "El Deseo", fundada en 1985, ha producido, además de sus propias películas, las de directores como Álex de la Iglesia, Guillermo del Toro o Isabel Coixet.
Entre sus numerosos filmes están "La piel que habito", "Volver", "Hable con ella", "Todo sobre mi madre"


Por último, Alex de la Iglesia es director, productor y guionista y antiguamente historietista.
Gracias a su espíritu atrevido ha ido sumando filmes muy variados, tanto en argumentos como en actores, oscilando entre producciones ambiciosas destinadas a un público internacional, y otras más apegadas a la tradición española, con toques de esperpento y humor negro. Algunas de sus películas son "Los crímenes de Oxford", "Balada triste de trompeta" y "El día de la bestia".




http://intrinsecoyespectorante.blogspot.com.es/2011/09/diez-grandes-directores-de-la-historia.html

http://www.cosasdelcine.es/el-top-ten-de-los-mejores-directores-de-la-historia-del-cine/

https://www.youtube.com/watch?v=HNrPj84UKtA

Títulos de crédito

Los títulos de crédito son los rótulos que aparecen al principio y al final de la película, se utilizan para recoger los nombres de los actores y otros profesionales que han trabajado en ella, así como otras informaciones sobre dicha película.
Los títulos de crédito pueden utilizar todo tipo de diseños, imágenes fijas o en movimiento, fotográficas o de animación, música de cualquier procedencia...
Fue D. W. Griffith , padre del cine moderno, el que comenzó a colocar los nombres de los actores en los títulos de crédito. Gracias a esto, los actores comenzaron a ser conocidos generándose así una demanda por parte del público.

Ya en 1899 George Meliès hizo los primeros experimentos de animación de letras en algunos filmes publicitarios.
En la época del cine mudo cuando las películas se alargaban, algunos directores se preocupaban por predisponer al espectador para lo que vería después. Por ejemplo, la película “Intolerance” (1916) de Griffith, es la primera película donde se usan una serie de títulos como parte importante de la historia.



En los años veinte los productores de las películas de terror los usaban para preparar al espectador y causarle una respuesta emocional.
En “King Kong” (1933) vemos hojas grandes de árboles de la jungla cayendo lentamente, lo que provoca una atmósfera densa y misteriosa.



Entre 1920 y 1930 Walt Disney realizó progresos en el campo de la animación suavizando los movimientos, sincronizando el sonido e incorporando el color. Estos esfuerzos provocaron una pequeña revuelta entre los diseñadores y animadores que buscaban romper las barreras creativas.

Fue en los años 30, cuando llegó la televisión y la industria publicitaria, donde realmente se empezó a experimentar con las posibilidades de la animación de los textos.
Después de la Segunda Guerra Mundial, la secuencia de los títulos de crédito inicial mostraba una interminable lista de nombres sobre un fondo estático, y si se usaban en movimiento eran solo descriptivas.

En los años 50 y 60 diseña como Saul Bass y Pablo Ferro empezaron a usar técnicas de animación para crear composiciones e interacciones entre tipografía e imagen.
El diseñador gráfico Saul Bass es el que más fama tiene. Demostró que los primeros minutos de una película tienen una gran importancia ya que son los que dan la primera impresión, de forma que los títulos de créditos ya no tienen como único interés de informar sobre los nombres del equipo artístico y técnico sino que son una premisa a la película.
Revolucionó el diseño con la película “El hombre del brazo de oro”, una secuencia dinámica de líneas blancas que suben, bajan y se cruzan sobre un fondo negro y que simbolizan el angustioso mundo al que tiene que enfrentarse el protagonista que acaba de dejar la heroína.



También hay que destacar el papel que dio a la música; comprendió la capacidad emocional de la música unida a la imagen, que se convierten en una unidad total. Con todos estos elementos Saul Bass creo obras de arte utilizando  metáforas y síntesis que abren las películas como en Vértigo,  Psicosis  o West side story.








Pablo Ferro, un americano de origen cubano, con la película “Teléfono Rojo. Volamos hacia Moscú” convirtió en un antes y un después los títulos de crédito. Ferro pensaba que en un solo segundo cabían 24 ideas por lo menos, y que para triunfar siempre es necesario contar una historia.



Otra secuencia de créditos de Ferro es la de “El caso de Tomas Crown”. En ella utiliza por primera vez en el cine, las multipantallas y define un estilo de títulos que se puso muy de moda a finales de los 60.



Es contradictorio considerar a los títulos de créditos como algo separado de el film, ya que en verdad esta totalmente unido a la película, incluso hay veces que se superponen a la imágenes de la película.

Deben estar ligado al estilo de la narración. Se puede saber que tipo de película es (cine negro, terror o del oeste) al ver los títulos de crédito, y esto se consigue mediante unas tipografías características.

http://www.titulosdecredito.org/

http://www.blogdecine.com/cine-clasico/los-titulos-de-credito-de-saul-bass

http://www.blogdecine.com/otros/woody-allen-y-la-historia-de-sus-famosos-titulos-de-credito

Cine negro

El cine negro o film noir es un género cinematográfico que se desarrolló en Estados Unidos durante la década de los 40 y 50. Se suele considerar como la primera película de este tipo “El halcón maltés” de John Huston estrenada en 1941.


La expresión “cine negro”, del francés “film noir”, fue acuñada por primera vez por el crítico Nino Frank, el cual comenzó a utilizarlo en sus artículos sobre películas del Hollywood de los años 40. Estas películas estaban marcadas por la prohibición la Gran depresión y la Guerra Mundial y solo entraron al mercado europeo después de que terminara.

La visión trágica y oscura del cine negro es el reflejo de un país en crisis. La penuria económica de finales de los años veinte y años treinta, la ley seca que fue el principal caldo de cultivo para el crimen organizado, los conflictos en las grandes ciudades están presentes en el cine de gánsters de la época,
Además del mundo de las bandas, del Chicago de los gangters, la ley seca, y los atributos típicos del género como las pistolas, los sombreros y los bares de mala muerte, la noche y la soledad del hombre urbano, los jefes mafiosos y los combates a pie de calle, el cine negro también desarrolla cierto pesimismo, un halo de tragedia que aflora en el retrato psicológico de los personajes, siempre complejos.
Normalmente, las películas caracterizadas como de cine negro giran en torno a hechos delictivos y criminales. Las escenas se caracterizan por una iluminación tenebrosa en claro oscuro, escenas nocturnas con humedad en el ambiente, se juega con el uso de sombras para exaltar la psicología de los personajes. Algunos de estos efectos eran especialmente impactantes en blanco y negro. Al mismo tiempo, la personalidad de los personajes y sus motivaciones son difíciles de establecer. Las fronteras entre buenos y malos se difuminaban y el héroe acostumbra a ser un antihéroe atenazado por un pasado oscuro.

El cine negro presenta una sociedad violenta, cínica y corrupta que amenaza no sólo al héroe/protagonista de las películas sino también a otros personajes, dentro de un ambiente de pesimismo. Los finales suelen ser agridulces cuando no presentan directamente el fracaso del protagonista. Otro punto característico del cine negro es la presencia de la femme fatale, la mujer fatal que, aparentemente inofensiva, pero que puede conducir a sus víctimas al peligro o a la muerte.

Es un personaje tipo, normalmente una una villana
que usa la sexualidad para atrapar al desventurado héroe. Se la suele representar como sexualmente insaciable. Aunque suele ser malvada, también hay mujeres fatales que hacen de heroínas. En la actualidad, el arquetipo suele ser visto como un personaje que constantemente cruza la línea entre la bondad y la maldad, actuando sin escrúpulos sea cual sea su voluntad.
De una parte genera al protagonista atracción sexual y por otro lado le da miedo, por la muerte. Su presencia se ha interpretado como una marca subversiva; con ella aparece un personaje mucho más fuerte de lo que nos había tenido acostumbrados el cine clásico y resta protagonismo al héroe.
El destino final de la femme fatale suele ser la muerte o la cárcel.

El género de los géneros, quizás el más ligado a la tradición literaria y uno de los más norteamericanos.

http://www.filmaffinity.com/es/moviegenre.php?genre=F-N

http://johannes-esculpiendoeltiempo.blogspot.com.es/2012/07/las-diez-mejores-peliculas-del-cine.html

http://www.bandejadeplata.com/articulos-de-cine/mis-10-peliculas-de-cine-negro-film-noir-imprescindibles-perdicion-pasado-mal-eterno-atraco/

Películas recomendadas 2012

Faltan unos días para acabar el año y es momento de empezar a hacer cuentas, medias y listas personales de las mejores películas vistas en esos 365 días.

La entidad cinematográfica estadounidense American Film Institute (AFI) ha publicado la lista donde se recogen, a su parecer, las mejores diez películas del 2012.
En suspense destaca “Argo”, interpretada y dirigada por Ben Affleck, que narra la acción secreta entre la vida y la muerte emprendida para liberar seis estadounidenses durante la crisis de los rehenes en Irán.
“Zero Dark Thirty” es un thriller que relata la operación militar que acabó con la vida del terrorista Osama Bin Laden y entra también en la lista.
Para la AFI, en el mundo de la fantasía la estrella es “The Dark Knight Rise”, la tercera y última entrega de la saga Batman del director Cristipoher Nolan. La película ha generado opiniones más que positivas entre los críticos norteamericanos.
Mismo género es el de “La vida de Pi”, escrita por Yann Martel. El protagonista es Piscine “Pi” Molitor Patel, un joven de la India que indaga sobre la religión, espiritualidad y lo factible desde una edad temprana, y sobrevive 227 días en un bote junto con un tigre de bengala después del naufragio de su barco en el Océano Pacífico.
Si hablamos de western, pero no del clásico, nos encontramos con “Django Unchained” escrito y dirigido por Quentin Tarantino. Ambientada en el sur de los Estados Unidos antes de la Guerra de Secesión, la película gira en torno a la esclavitud, que el director trata sin medias tintas, con su estilo y sus imágenes extremas.
La adaptación del musical de “Los miserables”, con el transfondo del siglo XIX en Francia, cuenta una historia sobre sueños rotos y un amor no correspondido, la pasión, el sacrificio y la redención, y un testimonio sobre la supervivencia del espíritu humano.

De entre las películas más vistas del 26 de noviembre al 2 de diciembre del año 2012 están en primer lugar “Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte II)”, seguida de “Lo Imposible”, “Hotel Transilvania”, “Skyfall”, “Fin”, “Golpe de efecto” y “En la mente del asesino”. Solo dos de ella son producción española.


Entre las películas españolas más interesantes estrenadas este año están “Blancanieves”, de Pablo Berger. Una original visión del popular cuento de los hermanos Grimm, ambientada en los años 20 en el sur de España. La película recrea fielmente la forma de vestir, los sombreros, los automóviles y todos los detalles de la época. Es también un homenaje al cine.


“Lo imposible” la historia de una familia atrapada, con decenas de miles de extranjeros, en el caos de una de las peores catástrofes naturales de nuestro tiempo, el tsunami de Indonesia. Después del gran éxito de “El Orfanato” JA Bayona regresa con el que promete ser el evento cinematográfico del año: “Lo imposible”. Basada en una extraordinaria historia real ocurrida durante el tsunami que asoló la costa del Sudeste Asiático en 2004

Primera película europea de animación stop-motion estereoscópica “O Apóstolo”.
Un convicto recién fugado de la cárcel, tratará de recuperar un botín escondido años atrás en una solitaria y apartada aldea; pero lo que allí encontrará supone una condena aún mayor de la que ya huyó. Xanaz, se convirtió en un pueblo maldito, ninguno pudo salir nunca de allí para contarlo....hasta ahora.

“Luces rojas” dos investigadores de fraudes paranormales, estudian los más diversos fenómenos metapsíquicos con la intención de demostrar su origen fraudulento.


“Arrugas” es un largometraje de animación 2D para un público adulto basado en el aclamado cómic del mismo título de Paco Roca donde se narra la amistad entre Emilio y Miguel, dos ancianos recluidos en un geriátrico. Emilio, que acaba de llegar a la residencia en un estado inicial de Alzheimer será ayudado por Miguel y otros compañeros para no acabar en la planta superior de la residencia, el temido piso de los asistidos.



“Operación E” está inspirada en la historia real de Clara Rojas, secuestrada por las FARC junto a Ingrid Betancourt en 2002.

Durante sus 6 años de cautiverio, Rojas tuvo un hijo con uno de los guerrilleros. En el momento de dar a luz, la guerrilla arrebata al niño de su madre.
José Crisanto es un campesino que vive con su familia en la jungla colombiana, una región donde las FARC imponen su ley. Los guerrilleros le entregan un bebé al borde de la muerte para que lo cure y lo cuide, bajo amenaza de muerte. Crisanto se ve obligado a huir con toda su familia para salvar sus vidas y la del niño, convirtiéndose en desplazados por la violencia que la guerrilla y los paramilitares ejercen en una gran parte del país.



“Extraterrestre” Julio se despierta con una terrible resaca y sin recordar nada de lo sucedido la noche anterior junto a una chica preciosa en su apartamento. Ella quiere que se vaya de la casa pero una invasión extraterrestre le sirve como excusa para quedarse, ya que él se ha enamorado de ella nada más verla...



http://www.elblogdecineespanol.com/?p=9230

http://www.mcu.es/cine/CE/Actualidad/PeliculasVistas.html

http://www.cinedor.es/peliculas-espa%C3%B1olas-2012

Stop- Motion

El Stop-Motion es una de las técnicas de animación más antiguas y más utilizadas en la industria del cine. También llamada animación cuadro a cuadro o animación en volumen es una técnica que consiste en aparentar el movimiento de elementos estáticos capturando fotografías, haciendo ligeros cambios a los mismos entre cada toma.
En general se denomina animación de Stop-Motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, ni en la de animación por ordenador; esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad.

Esta forma de animar la podemos considerar como animación en estado puro, debido a que se construye el movimiento fotograma a fotograma; manipulando el muñeco con las propias manos.
Posee una gran riqueza de métodos y variantes. Hay dos grandes grupos e Stop-Motion, la animación en plastilina (o cualquier material maleable), en inglés Claymation) y las animaciones de objetos más rígidos.
A su vez, la animación realizada con plastilina puede hacerse al estilo libre, es decir, cuando las figuras se van transformando durante el proceso de animación.
Para lograr una animación consistente, los personajes poseen una armadura articulada en su interior que se recubre de plastilina.

La pixilación es una variante en la técnica que consiste en tomar imágenes de una persona manteniendo una postura fija para cada fotograma, convirtiéndose ésta, en una marioneta humana.

Entre sus pioneros se encuentra el soviético Ladislaw Starewicz, quien en el año 1912 realiza una de las primeras películas en Stop-Motion utilizando como modelos insectos reales, “La venganza del camarógrafo”, donde la familia escarabajo se destruye por causa de la infidelidad de los esposos.





Se tienen que hacer aproximadamente entre 1500 y 2000 tomas fotográficas para que el ojo humano pueda percibir el movimiento. Una película normalmente corre a 24 cuadros por segundo (fps). En general se anima en “dobles”, exponiendo cada cuadro dos veces, con lo que se hacen doce deformaciones al material para producir por segundo.
Se debe tener mucho cuidado con la iluminación y el fondo de la escenografía.

Alunas películas actuales hechas con esta técnica son por ejemplo:
La novia cadáver



Chicken Run: evasión en la granja



O Apóstolo


Esta técnica posee un gran mérito ya que quien decide hacer un vídeo en Stop-Motion no solo necesitar escribir y planear un guión, sino también manipular completamente a los personajes a cámara lenta.

http://stopmotion.bjoernen.com/

http://www.stopmotion.cat/

http://puppetsandclay.blogspot.com.es/

NotodofilmFest

Jameson Notodofilmfest es un festival de cine que nace en el año 2001 con la intención de apoyar y servir de escaparate a los jóvenes creadores audiovisuales a través de un nuevo medio, Internet; y que además rompe con las barreras de producción y distribución de películas.

El festival es una iniciativa de La Fábrica a partir de una idea original de Javier Fesser y su objetivo es poner Internet al servicio del cine como fórmula para descubrir el nuevo talento, para poder experimentar con un nuevo medio al alcance de todos, y para conseguir una amplia difusión. Con diez ediciones a sus espaldas, es muy conocido en España como la convocatoria de referencia del cine en Internet.

Jameson Notodofilmfest ha alcanzado una alta participación y audiencia internacional: más de 9.000 cortometrajes presentados a concurso en diez ediciones, películas de 38 países diferentes, 21 millones de espectadores y sustanciosos premios repartidos en diferentes categorías, que incluyen además becas de formación y ayudas a la producción de proyectos audiovisuales.

El jurado de cada edición está formado por realizadores reconocidos que producen además un cortometraje para el festival: Guillermo del Toro, Bigas Luna, Alejandro Amenábar, Alex de la Iglesia, Javier Fesser, David Trueba, Isabel Coixet,  Jaume Balagueró... son solo algunos de ellos.

Este año el presidente del jurado será Rodrigo Cortés y formarán parte del jurado Alberto Rodríguez, Mateo Gil, Javier Fesser, Claudia Llosa, Mariano Barroso y Ernesto Alterio.
Como siempre, tienen un montón de categorías para reconocer tu talento. Estos son algunos de los premios que puedes ganar:

- Gran premio Jameson a la Mejor Película, dotado con 6.000 € y un viaje a Dublín para visitar la destilería de Jameson y un pack de alquiler HD Rent de la cámara Red Scarlet -X y todo el material técnico necesario para rodar un corto con una copia digital de la película ganadora realizada por DCPCine.
- Premio Plus Ultra al Corto más Visto, el cortometraje más visto por la audiencia de Jameson Notodofilmfest recibirá 1.500 € de premio.
- Premio TAI al Mejor Director. El ganador obtendrá como premio el rodaje de un cortometraje de calidad profesional valorado en 12.000€ con los medios artísticos y técnicos de la Escuela Universitaria TAI. TAI - - Producciones se encargará de producir el futuro proyecto del ganador.
- Premio al Mejor Actor/Actriz, una beca para cursar un seminario intensivo en el Estudio Corazza para el actor.
- Premio del Público: el corto más votado por los espectadores, recibirá 500 €.

El año pasado uno de los finalistas fue el conocido “Doble Check”:



El corto "Los gritones" fue el ganador del Premio Especial del Jurado en la octava edición de Notodofilmfest.



Y el famoso “Tía, no te saltes el eje” de Kike Narcea se presentó en el año 2006.



Estos son algunas muestras de las buenas ideas y la originalidad que se puede ver en este festival Online.

http://www.jamesonnotodofilmfest.com/

http://www.facebook.com/notodofilmfest

http://bloguionistas.wordpress.com/tag/notodofilmfest/

Bandas sonoras (BSO)

Banda sonora es la parte de sonido completa y el resultado de la edición de diferentes pistas de sonido. Término también conocido como banda sonora original (BSO).

Normalmente el término se refiere solamente a la música de una película o a la comercialización de los temas musicales de una obra como videojuegos, programas de televisión y radio.
Desde un punto de vista musical, la banda sonora es aquella música tanto vocal como instrumental compuesta expresamente para una película, cumpliendo con la función de potenciar aquellas emociones que las imágenes por sí solas no son capaces de expresar.

Algunos de los compositores de bandas sonoras para el cine más conocidos son Ennio Morricone encargado de películas como “El bueno, el feo y el malo”, John Willians con “Star Wars”, Harry Potter” “ET. El extraterrestre” o “Indiana Jones” entre otros.

Los primeros intentos de incorporar la banda sonora a las películas se basaban en el funcionamiento a la par,  del proyector y un fonógrafo.
Cuando el cine era mudo el propio público pedía acompañamientos musicales a lo que veía, y esto se llevaba a cabo bien a través de una pequeña banda de música que tocaba a la vez que se veía la película, o bien por medio de pianos o gramófonos.
También se presentaban las películas o se narraban por alguien del propio cine o por alguno de los actores o realizadores, en las proyecciones más destacadas. Si alguna cinta perdía interés por parte del público, se le animaba en ocasiones con números musicales o actuaciones de toda índole, antes, durante o después de la proyección.
Otro avance significativo se dio con la creación del cronófono, con el que se consiguió una mejor sincronía entre las canciones que reproducía el fonógrafo y las imágenes, aunque aún tenía fallos muy apreciables.
Compañías estadounidenses investigaron y crean sistemas para poner sonido en la propia película, destacando el sistema Vitaphone que hizo que la Warner Bros saliera del bache en el que estaba con el cine mudo. Así se crearon las primeras películas sonoras, con música pero sin habla.
La primera película sonora es “El cantante de Jazz” o “El cantor de Jazz” y no es hablada sino cantada.

Una banda sonora componerse de un tema de entrada, inicio o cabecera, que suele ser el tema o canción que da comienzo a la película o serie para la que ha sido compuesta, también se le conoce como opening o main title, en inglés.
Luego encontramos la música de fondo o incidental que es el conjunto de temas que representan el grueso de la composición dentro de una banda sonora. Pueden ser instrumentales o cantados. También puede haber canciones o temas de autores diferentes al que compuso en origen la obra musical; a una canción de ese tipo se le llama canción insertada.
Por último está el tema de salida, cierre o final que suele ser el tema o canción que suena junto con los créditos finales de la película o serie para la que ha sido compuesta. También se le conoce como ending o closing, en inglés.

Bandas sonoras tan conocidas que con solo escuchar una pequeña parte ya sabemos en qué película estamos:

La pantera rosa
Amelie
La vida es bella
Forrest gump
Titanic
Ghost

El lenguaje de la música transmite emociones comunes que cualquier persona reconoce.

http://www.mundobso.com/es/noticias.php

http://www.cinebso.com/

http://es.classora.com/reports/h49158/ranking-de-las-mejores-bandas-sonoras-de-la-historia-del-cine

Luis Tosar

Luis Tosar es un conocido actor español nacido en Galicia ganador de tres premios Goya uno en 2003 como Mejor actor de Reparto por "Los lunes al sol" y en 2004 como Mejor actor en "Te doy mis ojos". En 2009 repite premio como Mejor actor por su interpretación en Celda 211.

También es productor y guionista. Escribió, produjo y protagonizó el corto "As xoias da señora Bianconero".

En los escenarios le hemos visto en "Hamlet", dirigida por Lino Braxe; "El zoo de cristal", de Tennessee Willians, dirigida por Agustín Alezzo, y "La cena de los idiotas", de Francis Veber, dirigida por Paco Mir.

Ha trabajado con prestigiosos directores españoles como Jose Luis Borau, Manuel Gutiérrez Aragón, Joaquín Oristrell, Iciar Bollain, Fernando León de Aranoa, Daniel Monzón o Jaume Balagueró.
También ha colaborado en el film de Fernando Cortizo “O Apóstolo”.

En el campo internacional ha trabajado con directores como Michael Mann en Miami Vice (2006), con Jim Jarmusch en Limits of Control (2009) y con Bernad Rose en Mr. Nice (2010).

En 2011 estrenó la película "Mientras Duermes", de Jaume Balagueró, por la que recibió el Premio Gaudí de la l'Acadèmia del Cinema Català al Mejor Protagonista Masculino.

También ha hecho trabajos en el mundo de la música. DI ELAS es una banda de power-rock, en la que Luis Tosar es guitarrista y la voz. En el 2008 se agrupan bajo el nombre "The Ellas", interpretando en directo, un repertorio con versiones de grupos liderados por mujeres, construyendo un sonido propio como banda que les llevará en el año 2010 a componer temas propios.
Por otro lado, la canción "Esa Luz", surge de una estrofa de tres líneas que tarareaba Luis Tosar en la película "La Noche Del Hermano" (2005), de Santiago García de Leániz, creada por el mismo Luis Tosar y el compositor Piti Sanz.
En 2007 se encargó a los creadores el desarrollo de la composición a partir de dicha estrofa para la película "Mataharis", de Iciar Bollain.

Tosar presenta ahora dos importantes filmes. Por un lado estrena en Francia y España, “Operación E", un thriller dramático de Miguel Courtois Paterninaen. Película que protagoniza y produce, presentada recientemente en el Festival de Cine de San Sebastián y por la que ha recibido el premio al mejor actor en el Festival de Cine Biarritz Ameriqué Latine.




Cuenta la historia del niño que tuvo en el cautiverio de las FARC colombianas la abogada Clara Rojas con un guerrillero.
En el momento del parto, la guerrilla le arrebata el bebé a su madre y se lo entrega a Crisanto, un modesto agricultor que sobrevive en la jungla con su joven mujer, sus cinco hijos y su suegro, un curandero indígena. Crisanto deberá hacerse cargo del niño bajo amenaza de muerte, pero el pequeño está gravemente enfermo. Toda la familia se vuelca para salvarle la vida, que es también la suya. Su lucha sin descanso les llevará río abajo sorteando toda clase de adversidades, desconociendo qué se esconde tras el interés de la guerrilla por el pequeño y quien realmente podrá ayudarles o espera traicionarles.
"La única que puede contar auténticamente cómo fueron las cosas es ella. Supongo que para Rojas será muy difícil hablar de esto. Semejante situación, tan expuesta a la opinión pública en una circunstancia así, las mujeres siempre van a salir perdiendo" cuenta Tosar.



Por otro lado estrena “Una pistola en cada mano”, en la que Tosar es directamente, un robamujeres.
Aquí, ocho hombres alrededor de los 40, desconcertados y perplejos, se ven envueltos en situaciones cotidianas que reflejan su principal conflicto: la crisis de identidad masculina. Su incapacidad para expresar lo que sienten les conduce a situaciones cómicas y patéticas que dejan atónitas a las mujeres.



http://www.luistosar.com.es/esp/inicio.html

http://www.unapistolaencadamano.com/

http://operacione.com/

El doblaje

Cuando nace el cine, los personajes de las historias sólo pueden hablarnos a través de rótulos, el cine es mudo, no tiene sonido.
Y en medio del silencio está la figura del explicador, que era una persona que tenía gran facilidad de palabra y poder de convicción y su misión era narrar la película a un público, en su mayoría analfabeto, incapaz de seguir los rótulos. Se colocaba en una esquina de la pantalla, a veces se ayudaba con un puntero para señalar la imagen y en muchas ocasiones dramatizaba él mismo el dialogo mudo.
Podría considerarse al explicador como el principio del doblaje, y en España se tiene constancia de ellos desde el año 1901.

El primer estudio de doblaje se inaugura en nuestro país en 1932, en Barcelona, bautizado con el nombre de T.R.E.C.E y en 1933 se inauguran en Madrid los prestigiosos estudios Fono España. Por tanto podemos hablar de 1932 como del año del nacimiento de la industria del doblaje en España.
El doblaje nació bajo el gobierno de La República. Todavía quedaban unos cuantos años para que la dictadura utilizase el arte de "contar historias" para sus propios intereses.

Durante los primeros años de posguerra es prácticamente imposible escuchar una película en versión original.
La mayoría de los actores de doblaje de esta época procedían del teatro y de la radio. De la radio  surgieron voces con gran capacidad de interpretación.
En los inicios del doblaje, debido a que el material con el que se trabajaba para las mezclas era fotográfico y no digital comoahora, el método utilizado era realizar grabaciones de varias páginas de texto que debían ser memorizadas previamente. Para ello las escenas tenían que ser ensayadas antes de ser grabadas para lograr una buena sincronización con los movimientos labiales de los actores originales. Así, doblajes famosos como el de “Lo que el viento se llevó” llevaban muchas semanas de trabajo.

Con el paso de los años esta técnica fue siendo desterrada por el actual sistema de doblaje por ritmos, en el cual el diálogo queda segmentado en pequeños fragmentos o takes que los actores graban leyendo tras haber memorizado el ritmo, especialmente las pausas, del diálogo original. Esta nueva técnica agiliza mucho el proceso de doblaje aunque también hay quien opina que esta "mecanización" del proceso le ha restado calidad artística.
El sonido magnético llega en 1952. Es un nuevo sistema de grabación con el que se evita tener que cortar el material fotográfico, así se gana en agilidad y en calidad de sonido.
Esta es la llamada época dorada del doblaje español.

A partir de 1960, las series de producción norteamericana inundan la pequeña pantalla pero las voces que escuchamos no son de aquí, sino que llegan de países latinos, con el peculiar acento del llamado castellano neutro. La razón es porque en los primeros tiempos de emisión, TVE carecía del dinero necesario para doblar en los estudios del país.

A finales de los sesenta y durante toda la década de los setenta el fenómeno del telefilm y las teleseries se convirtió en un autentico boom que hizo florecer nuevos estudios.
La renovación tecnológica y el aumento de empresas durante los setenta, hace que el número de profesionales del sector se dispare.

Los años ochenta son clave para entender el presente de esta profesión. El doblaje  aumenta muchísimo, por un lado, por el fenómeno conocido como boom del vídeo, y por otro, ya en 1989, por la aparición de las televisiones privadas que acaban con el monopolio de TVE y el aumento del número de horas de emisión.
Con la aparición, también, de las cadenas autonómicas, nacen empresas en Comunidades Autónomas. Comienza a doblarse en Galicia, Andalucía, Valencia, y País Vasco.

A partir de los años noventa el doblaje se convierte demasiadas veces en centro de las criticas del cine español.
El doblaje tiene muchos detractores, especialmente en países donde esta práctica no es común. Los que no apoyan esta práctica dicen que las bandas de sonido originales están más cercanas a lo que ha creado el director de la producción. En algunos casos, el doblaje puede hacer la película menos auténtica.
Los defensores del doblaje sostienen que el subtitulado contamina la imagen original, que distrae al espectador, pues no puede estar del todo concentrado en la imagen de la película por estar pendiente del texto, además de que por ejemplo, los invidentes, no pueden leerlos.

En la actualidad, la aparición de nuevas cadenas de televisión, así como de nuevos medios audiovisuales digitales, el reconocimiento que actualmente recibe y el resurgir del éxito de las series extranjeras  hacen prever que el futuro del doblaje será esperanzador.

Agradecimientos Llámame X

http://www.amestudios.es/

http://www.trans.uma.es/pdf/Trans_2/t2_179-212_Resenas.pdf

http://www.youtube.com/watch?v=1VFpJ_QSvhw&feature=fvsr

O Apóstolo

Es una película de animación 3D creada en Galicia; un ambicioso proyecto largamente trabajado por el director Fernando Cortizo. Se trata de la primera producción europea del género realizada con la técnica de animación "stop-motion" usando una cámara estereoscópica (3D). No es un film pensado para el público infantil.



Más de 200 profesionales han participado en este proyecto pionero de la productora Artefacto Producciones, que nació a través de una convocatoria de "crowdfunding" en la que participaron cerca de un millar de personas.

Una fuga de una cárcel acaba con uno de los fugitivos buscando un tesoro escondido en un pueblo por donde pasa el camino de Santiago. Pronto queda claro que los habitantes del pueblecito ocultan tanto o más que el ladrón protagonista, que se hace pasar por un humilde peregrino.
En los días y noches que va pasando en el pueblo  va descubriendo todos los misterios del lugar y sus habitantes, siniestros ancianos, extrañas desapariciones, espíritus, un peculiar sacerdote...
Paralelamente tenemos el viaje de un cargo eclesiástico, cargado de tópicos y con algunos chistes fáciles a su costa, al mismo pueblo donde suceden todos los acontecimientos.
Ahí se unen las dos historias, la del ladrón atrapado en un pueblo donde hay todo tipo de extraños y macabros sucesos mientras intenta hacerse con un botín escondido años atrás, y la del viaje del gordo glotón eclesiástico y su sufrido ayudante.

La película tiene una excelente construcción de escenas góticas acompañado de una música fantasmal .
Los muñecos son el vivo reflejo de sus actores, que han sido grabados para luego capturar en sus avatares todas sus expresiones faciales y gestuales y a los que han prestado sus voces los actores Carlos Blanco, Luis Tosar, Jorge Sanz, Isabel Blanco, Paul Naschy, Geraldine Chaplin y Manuel Manquiña entre otros.
La construcción de espacios está pensada para potenciar la sensación fantasmagórica del relato, con todo el paisaje desolado, poblado por una espesa niebla y donde todo parece sin alma, muerto. De media se rodaban cuatro segundos al día, por eso se ha tardado casi tres años en terminarse.





Fernando Cortizo, después de una larga producción, ha sufrido un incumplimiento de contrato con la empresa distribuidora. Le comunicaron que se reducían las salas contratadas por la coincidencia de otros estrenos como Skyfall. Para intentar recuperar lo perdido se está dando a conocer la película por otras vías como Internet o el extranjero.
Debido a la crisis Fernando Cortizo, al igual que otros productores y directores, cada vez lo tienen más difícil para recibir ayudas públicas y es por ello que tienen que buscar otro tipo de financiación.



La película está teniendo una gran respuesta en los mercados internacionales, Gary Oldman participará en el doblaje para EEUU.

“O Apóstolo” ya tiene cerrada su venta a Sudamérica y Norteamérica después de ser seleccionada para las Secciones Oficial de los Festivales de Málaga y Moscú, algo que ninguna película de animación había conseguido hasta la fecha.

Agradecimientos Llámame X

http://fundacionlumiere.org/o-apostolomaking-off/

http://www.oapostolo.es/

http://www.contraplano.es/estrenos/o-apostolo-de-fernando-cortizo.php#.UNhnvW-cP64

El diseño de los carteles de cine

Desde el inicio del cine, los carteles se han utilizado para promover las películas y crear expectación. Así como el estilo del cine ha evolucionado, el estilo de diseño de estos carteles promocionales también ha cambiado.

Dentro del campo de las industrias creativas, todo producto es susceptible de ser intercambiado y comercializado. En el caso del cine, se pretende que las películas sean consumidas por miles o millones de personas.  Esa es la principal finalidad de un cartel de cine, incentivar a millones de personas a ver una determinada película.  Pero ¿Cómo lo consiguen? ¿Cómo se consigue que un cartel se distinga entre los demás?

Es común ver cómo los carteles se cambian de un país a otro, escogiendo fotos o presentaciones distintas, porque el actor sea más reconocido en ese país, o incluyendo algunas frases de críticos con renombre en dicho lugar, o que trabajan en la prensa más leída del país para llamar la atención del público menos cinéfilo.
Entre 1920 y 1930 los carteles de cine no eran tan comerciales, eran más artísticos y de hecho estaban realizados por artistas. La escuela alemana de la Bauhaus fue la pionera en introducir texto en el cartel de dibujo.

Cuando el cartelismo pasó a manos de diseñadores gráficos y no de forma exclusiva a pintores como ocurría,  a partir de este momento es cuando el cartel dejó de ser simplemente un producto artístico para convertirse en un medio técnico comunicativo.
El cartel debe generar deseo de ver la película provocar que se hagan preguntas que necesiten respuestas viendo el film. Existiendo tantas estrellas de cine, tantas películas que cada semana se estrenan, el cartel actual tiene que intentar provocar y llamar la atención porque le es más difícil destacar.
Los carteles más antiguos se podían analizar lentamente, quizá con una única imagen,  sin embargo en la actualidad en los carteles suelen incluir mucha información. Muchos carteles tienen varias imágenes, porque ahora también estamos acostumbrados al exceso de información y al haber más imágenes llama más al atención.

Según Redpixel “El criterio básico es intentar sintetizar con una imagen la película. Esta imagen tiene que ser atractiva para el público objetivo a la que va dirigida ya que, en el fondo, es un objeto publicitario para que la gente se anime a verla. Se tiene que llegar a un equilibrio artístico-comercial para que el cartel represente la película y la distribuidora esté contenta con el objetivo comercial”.
Los diseñadores de carteles de cine tienen que estar atentos a ciertos criterios para que consigan una mayor eficacia, tales como, Star Sistem, que consiste en  colocar a los actores más famosos para llamar más la atención, sistema de géneros, trama o conflicto, recursos gráficos, tipografía y estructuras de comunicación.



- El segundo diseño es el verdadero; el otro lo han hecho estudiantes de Periodismo y Comunicación Audiovisual.

Las películas infantiles se caracterizan por la utilización de muchos colores y además muy llamativos, que desprenden alegría y buen humor. Suelen aparecer muchos de los personajes del largometraje, de tamaño más bien grande donde  ven todos los detalles y en actitud dinámica, en movimiento. Suelen ser carteles muy saturados por el contenido. En el infantil de acción, se observa la misma tendencia:

En los cuatro podemos observar a los personajes corriendo hacia el espectador huyendo del fuego, o del enemigo.

El género de drama romántico se caracteriza por la presencia de los personajes principales en la parte de arriba, algo difuminados, como en el cielo y en actitud o gesto cariñoso.
En la parte de abajo se encuentra la imagen que representa el objeto de dolor o de unión para esta historia. Los colores utilizados son suaves y cálidos.

Un diseño muy utilizado para la comedia romántica es poner a los protagonistas espalda con espalda mirando hacia el espectador. Colores de fondo suaves, neutros predominantemente blancos. Utilización delos colores rojo, símbolo del amor y la pasión.

En las películas de ciencia ficción se utilizan colores oscuros, predominantemente el negro y el azul oscuro, o tonos metalizados o plateados. También aparecen los colores rojos y blanco para destacar. Utilizan efectos especiales, reflejos o rayos. Imágenes más alargadas, presencia de verticalidad. Líneas rectas y diseños abstractos.

En las películas de acción las imágenes utilizadas darán una sensación de verticalidad.
Son imágenes oscuras. Utilizan colores predominantemente negros, rojos o naranja y blancos.
Si el personaje aparece de espaldas con la cabeza levemente girada mirando hacia la zona del espectador, estaremos ante una película de acción.
Otra posibilidad es que aparezca un primer plano del protagonista mirando al espectador con mirada desafiante.
Por último, la presencia de colores que nos recuerden al fuego, o imágenes de llamaradas y ruedas y velocidad son signos de las películas de acción.

En las películas de terror utilizan imágenes que dan la sensación de horizontalidad. Transmiten presión, tensión y sufrimiento. Se utilizan colores oscuros, negros y grises y a veces tonos sepia. Utilización del rojo, representación de la sangre y el dolor. Imágenes de llantos, bocas abiertas gritando.
Por otro lado la presencia de un ojo mirando al espectador es una característica de este género.

Agradecimientos Llámame X y Sonia Abbas Rodríguez.

http://www.srcalle.com/dise%C3%B1o-carteles-creditos-videoclips-web/papiers-du-cinema/

http://lagranilusion.cinesrenoir.com/?p=1326

http://www.lashorasperdidas.com/index.php/2010/11/19/el-diseno-grafico-en-el-cine/

PORTADA- Rodando en crisis: el cine español y la crisis

En la actualidad, España es uno de los países europeos más afectados por la crisis económica.
El Gobierno actual del Partido Popular ha tomado una serie de medidas que han afectado en gran parte a la sanidad, a la educación y a la cultura.
Este último ámbito ha sufrido un duro ajuste con una reducción de más de 900 millones de euros a los que se le ha sumado la subida del IVA del 8 al 21%. El cine se encuentra en una situación complicada ya que cada vez resulta más difícil producir películas y llevarlas a las salas. Son de miles las personas que se dedican a este sector y están viendo muy complicado encontrar trabajo e incluso para directores, productores o actores de prestigio.



En este entorno se habla de falta de protección e incluso un abandono de la cultura que provoca la inestabilidad de muchos creadores. Existe un planteamiento de anteponer los valores culturales a los industriales.
Aún así, en el año 2011 la taquilla del cine español no recaudó lo ganado por las ayudas. Por una parte, entre la población existe un colectivo que no simpatiza con el cine nacional debido a que se piensa que el cine internacional es superior. Por otra parte algunos profesionales, preocupados por la situación proponen un cambio de modelo de financiación para adaptarse a los nuevos tiempos.

El Presidente de la FAPAE,  Pedro Pérez, no ha ocultado su preocupación por la situación del cine en España. Deja la puerta abierta a un nuevo modelo del sector, mostrándose partidario de que el cine salga de la partida de los Presupuestos Generales del Estado y que se financie a sí mismo.

Enrique González Macho, Presidente de la Academia, expone que los productores actualmente tienen una inseguridad a la hora de crear nuevos largometrajes porque no creen que las ayudas del gobierno se lleguen a cobrar debido a que se reciben dos años después de la producción de la película.
El futuro es incierto y si se sigue así se llegará al paro total del sector aunque la crisis está produciendo un acercamiento al mundo digital debido a su bajo costo.

La directora del ICAA, Susana de la Sierra, cree que habría que animar a que aumenten los incentivos fiscales que hasta ahora no ha resultado suficientemente atractivos.
El ex director del ICAA, Fernando Lara, realizó un informe llamado “Cine español, el estado de la cuestión”, en el que se exponen los problemas de los diversos sectores.

Muchas de las personas dedicadas al mundo de la cultura creen que a partir de la protesta del “No a la guerra” de 2003, se ha mermado la relación de apoyo entre el gobierno y la cultura.

Aunque el nivel de largometrajes ha decrecido considerablemente y la situación del cine es precaria, este año algunas películas nacionales han batido records de taquilla constituyéndose un éxito. Films como “Tadeo Jones” que se ha convertido en la producción española de animación más vista de la historia y ha seducido a mercados como los de China y Corea del Sur.
O como “Lo imposible” de JA Bayona que lleva en las salas de cine más de dos meses y es la película española que más ha recaudado de la historia del cine español.

En cambio algunas películas no han tenido tanta suerte. Este es el caso de “O Apóstolo” dirigida por Fernando Cortizo, que después de una larga producción de cinco años ha sufrido un incumplimiento de contrato con la empresa distribuidora.
Le comunicaron que se reducían las salas contratadas por la coincidencia de otros estrenos como Skyfall.  Para intentar recuperar lo perdido se está dando a conocer la película por otras vías como Internet o el extranjero.
Debido a la crisis Fernando Cortizo, al igual que otros productores y directores cada vez lo tienen más difícil para recibir ayudas públicas y es por ello que tienen que buscar otro tipo de financiación.

Una de las posibles soluciones a estos problemas es el método de financiación francés, que consiste en que las salas de cine por ley, están obligadas a estrenar el 35% de películas nacionales al año. Además, hay una parte del precio de la entrada y de los productos audiovisuales franceses que va destinada directamente a la financiación de otras películas, es decir, que el cine se autofinancia.
Internet se está convirtiendo también en una herramienta muy útil para la promoción y para la difusión como a través de portales como Filmin.
Un ejemplo de ello es el Notodofilmfest, que es un festival de cortos que se presentan a través de Internet.
El cine español deberá sufrir un profundo cambio para no perderse en el olvido facilitando la financiación y la producción. Y a su vez tendrá que empezar a buscarse fuertes aliados como Internet y convivir con ellos.




Agradecimientos Llámame X.

http://www.panoramaaudiovisual.com/es/2012/05/02/cine-espanol-el-estado-de-la-cuestion/

http://www.cineparaleer.com/punto-de-vista/item/1110-cine-espanol-el-estado-de-la-cuestion

http://www.blogdecine.com/cine-espanol/duro-recorte-a-la-subvencion-del-cine-espanol

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