Directores de cine

El director de cine, en algunos casos también cumple la función de realizador, es la persona que dirige el rodaje de una película, da instrucciones a los actores, decide cómo debe moverse la cámara, supervisa el decorado y el vestuario y está pendiente de todas las demás funciones necesarias para llevar a cabo un buen rodaje.

La importancia que se le ha dado al director en la historia de cine ha ido cambiando. Por ejemplo, en la época de oro de Hollywood, la persona más importante en la creación de una película era el productor, y el personaje más relevante era el actor o la actriz, y el director era en la mayor parte de los casos, un técnico que dirigía cada día el rodaje.
Fue primero en primero en Europa y más tarde en Estados Unidos donde el director fue adquiriendo mayor relevancia hasta llegar a considerarlo como el autor de una película.

Es difícil hacer una lista con los mejores directores de cine de los últimos 100 años si tenemos en cuenta que el séptimo arte es el más joven y apenas tiene un siglo de vida.

La revista Total Film ha elaborado un listado en el que podemos consultar cuáles son los 100 mejores directores de la Historia del Cine.

Alfred Hitchcock es el director número uno del ranking. Hizo un cine en el que prestó atención al más mínimo detalle. Sus películas han pasado a la historia como un legado importantísimo para la historia del cine. Es figura indiscutible del cine de misterio y de intriga. Fue nominado al Oscar como Mejor Director en numerosas ocasiones.
Entre sus películas están “Los pájaros”, “Vértigo”, “Psicosis” o “La ventana indiscreta”.

Francis Ford Coppola, el padre de la saga de “El Padrino”, ha conseguido ser uno de los directores más galardonados a nivel internacional y sus películas han conseguido cinco Oscar, con la presencia de una de las sagas más destacadas e importantes de la historia del cine.
Entre sus películas también están “Apocalypse Now” “Drácula de Bram Stoker” o “Sleepy Hollow”.



Orson Welles alcanzó la cima de mundo cinematográfico con su mítica película “Ciudadano Kane”, una de los films más destacados en la historia del séptimo arte.
Aparte de director, fue actor, guionista y productor de cine estadounidense. Es considerado uno de los artistas más versátiles. Alcanzó el éxito a los veintitrés años gracias a la obra radiofónica “La guerra de los mundos” que más tarde llevó a la gran pantalla.

La revista Entertaiment Weekly ha publicado una lista con los 25 mejores directores de cine que se encuentran activos en la actualidad.
Entre los 25 aparecen dos directores hispanoamericanos: Guillermo del Toro (México) y Pedro Almodóvar (España).

En el primer puesto se encuentra Steven Spielberg, director, productor y guionista cinematográfico estadounidense. Ha rodado películas como “Tiburón”, “E.T el extraterrestre”,  “Gremlins”, “La lista de Schindler”  con la que ganó un Oscar al Mejor Director o “Salvar al soldado Ryan” en la que también fue galardonado en la misma categoría. Por “El color púrpura”, fue nominado como mejor película, pero no fue nominado como mejor director.



Le siguen Peter Jackson director de “El señor de los anillos y “El hobbit” y Martin Scorsese con “La invención de Hugo”, “El aviador” y “Gans of New York”.

Otros directores destacados son Quentin Tarantino (“Pulp Fiction”, “Kill Bill”), James Cameron (“Titanic”, “Avatar”, “Terminator”) , Tim Burton (“Pesadilla antes de Navidad”, “La novia cadáver”, “Sombras tenebrosas”) o Clint Easwood (“Los puentes de Madison”, “Invictus”, “Sin perdón” “Million dólar baby”).

Si bien España es reconocida por un sin fin de cosas, una de ellas es su cine. Entre los directores españoles más afamados están:

Alejandro Amenábar, con 19 años, presentó su primer corto “La cabeza” que obtuvo el primer premio de la Asociación Independiente de Cineastas Amateurs (AICA). Ha ganado nueve premios Goya y un Oscar. Ha escrito los guiones de sus cinco películas y ha compuesto casi todas sus bandas sonoras.  Entre sus películas están “Tesis” thriller con el que debutó  “Ágora”,  “Mar adentro”,  “Tesis” , “Abre los ojos”  y “Los otros”.


Pedro Almodóvar es el que mayor resonancia ha logrado fuera de España en las últimas décadas. Ha recibido los principales galardones cinematográficos internacionales, entre ellos dos premios Oscar, en diversas categorías.

El cine de Almodóvar cultiva un naturalismo que destruye el usual costumbrismo burgués del cine español.
Suele representar, por el contrario, una realidad marginal y abunda en elementos escandalosos y provocadores: policías corruptos, consumo de drogas, maltrato, prostitución, niños precoces, paletos filosóficos, marujas desesperadas, homosexualidad desgarrada... todo ello sin renunciar a su humor irreverente y sin dejar de provocar con heterodoxas escenas de sexo.

Al margen de su actividad como director de cine, es uno de los más importantes productores españoles, su compañía "El Deseo", fundada en 1985, ha producido, además de sus propias películas, las de directores como Álex de la Iglesia, Guillermo del Toro o Isabel Coixet.
Entre sus numerosos filmes están "La piel que habito", "Volver", "Hable con ella", "Todo sobre mi madre"


Por último, Alex de la Iglesia es director, productor y guionista y antiguamente historietista.
Gracias a su espíritu atrevido ha ido sumando filmes muy variados, tanto en argumentos como en actores, oscilando entre producciones ambiciosas destinadas a un público internacional, y otras más apegadas a la tradición española, con toques de esperpento y humor negro. Algunas de sus películas son "Los crímenes de Oxford", "Balada triste de trompeta" y "El día de la bestia".




http://intrinsecoyespectorante.blogspot.com.es/2011/09/diez-grandes-directores-de-la-historia.html

http://www.cosasdelcine.es/el-top-ten-de-los-mejores-directores-de-la-historia-del-cine/

https://www.youtube.com/watch?v=HNrPj84UKtA

Títulos de crédito

Los títulos de crédito son los rótulos que aparecen al principio y al final de la película, se utilizan para recoger los nombres de los actores y otros profesionales que han trabajado en ella, así como otras informaciones sobre dicha película.
Los títulos de crédito pueden utilizar todo tipo de diseños, imágenes fijas o en movimiento, fotográficas o de animación, música de cualquier procedencia...
Fue D. W. Griffith , padre del cine moderno, el que comenzó a colocar los nombres de los actores en los títulos de crédito. Gracias a esto, los actores comenzaron a ser conocidos generándose así una demanda por parte del público.

Ya en 1899 George Meliès hizo los primeros experimentos de animación de letras en algunos filmes publicitarios.
En la época del cine mudo cuando las películas se alargaban, algunos directores se preocupaban por predisponer al espectador para lo que vería después. Por ejemplo, la película “Intolerance” (1916) de Griffith, es la primera película donde se usan una serie de títulos como parte importante de la historia.



En los años veinte los productores de las películas de terror los usaban para preparar al espectador y causarle una respuesta emocional.
En “King Kong” (1933) vemos hojas grandes de árboles de la jungla cayendo lentamente, lo que provoca una atmósfera densa y misteriosa.



Entre 1920 y 1930 Walt Disney realizó progresos en el campo de la animación suavizando los movimientos, sincronizando el sonido e incorporando el color. Estos esfuerzos provocaron una pequeña revuelta entre los diseñadores y animadores que buscaban romper las barreras creativas.

Fue en los años 30, cuando llegó la televisión y la industria publicitaria, donde realmente se empezó a experimentar con las posibilidades de la animación de los textos.
Después de la Segunda Guerra Mundial, la secuencia de los títulos de crédito inicial mostraba una interminable lista de nombres sobre un fondo estático, y si se usaban en movimiento eran solo descriptivas.

En los años 50 y 60 diseña como Saul Bass y Pablo Ferro empezaron a usar técnicas de animación para crear composiciones e interacciones entre tipografía e imagen.
El diseñador gráfico Saul Bass es el que más fama tiene. Demostró que los primeros minutos de una película tienen una gran importancia ya que son los que dan la primera impresión, de forma que los títulos de créditos ya no tienen como único interés de informar sobre los nombres del equipo artístico y técnico sino que son una premisa a la película.
Revolucionó el diseño con la película “El hombre del brazo de oro”, una secuencia dinámica de líneas blancas que suben, bajan y se cruzan sobre un fondo negro y que simbolizan el angustioso mundo al que tiene que enfrentarse el protagonista que acaba de dejar la heroína.



También hay que destacar el papel que dio a la música; comprendió la capacidad emocional de la música unida a la imagen, que se convierten en una unidad total. Con todos estos elementos Saul Bass creo obras de arte utilizando  metáforas y síntesis que abren las películas como en Vértigo,  Psicosis  o West side story.








Pablo Ferro, un americano de origen cubano, con la película “Teléfono Rojo. Volamos hacia Moscú” convirtió en un antes y un después los títulos de crédito. Ferro pensaba que en un solo segundo cabían 24 ideas por lo menos, y que para triunfar siempre es necesario contar una historia.



Otra secuencia de créditos de Ferro es la de “El caso de Tomas Crown”. En ella utiliza por primera vez en el cine, las multipantallas y define un estilo de títulos que se puso muy de moda a finales de los 60.



Es contradictorio considerar a los títulos de créditos como algo separado de el film, ya que en verdad esta totalmente unido a la película, incluso hay veces que se superponen a la imágenes de la película.

Deben estar ligado al estilo de la narración. Se puede saber que tipo de película es (cine negro, terror o del oeste) al ver los títulos de crédito, y esto se consigue mediante unas tipografías características.

http://www.titulosdecredito.org/

http://www.blogdecine.com/cine-clasico/los-titulos-de-credito-de-saul-bass

http://www.blogdecine.com/otros/woody-allen-y-la-historia-de-sus-famosos-titulos-de-credito

Cine negro

El cine negro o film noir es un género cinematográfico que se desarrolló en Estados Unidos durante la década de los 40 y 50. Se suele considerar como la primera película de este tipo “El halcón maltés” de John Huston estrenada en 1941.


La expresión “cine negro”, del francés “film noir”, fue acuñada por primera vez por el crítico Nino Frank, el cual comenzó a utilizarlo en sus artículos sobre películas del Hollywood de los años 40. Estas películas estaban marcadas por la prohibición la Gran depresión y la Guerra Mundial y solo entraron al mercado europeo después de que terminara.

La visión trágica y oscura del cine negro es el reflejo de un país en crisis. La penuria económica de finales de los años veinte y años treinta, la ley seca que fue el principal caldo de cultivo para el crimen organizado, los conflictos en las grandes ciudades están presentes en el cine de gánsters de la época,
Además del mundo de las bandas, del Chicago de los gangters, la ley seca, y los atributos típicos del género como las pistolas, los sombreros y los bares de mala muerte, la noche y la soledad del hombre urbano, los jefes mafiosos y los combates a pie de calle, el cine negro también desarrolla cierto pesimismo, un halo de tragedia que aflora en el retrato psicológico de los personajes, siempre complejos.
Normalmente, las películas caracterizadas como de cine negro giran en torno a hechos delictivos y criminales. Las escenas se caracterizan por una iluminación tenebrosa en claro oscuro, escenas nocturnas con humedad en el ambiente, se juega con el uso de sombras para exaltar la psicología de los personajes. Algunos de estos efectos eran especialmente impactantes en blanco y negro. Al mismo tiempo, la personalidad de los personajes y sus motivaciones son difíciles de establecer. Las fronteras entre buenos y malos se difuminaban y el héroe acostumbra a ser un antihéroe atenazado por un pasado oscuro.

El cine negro presenta una sociedad violenta, cínica y corrupta que amenaza no sólo al héroe/protagonista de las películas sino también a otros personajes, dentro de un ambiente de pesimismo. Los finales suelen ser agridulces cuando no presentan directamente el fracaso del protagonista. Otro punto característico del cine negro es la presencia de la femme fatale, la mujer fatal que, aparentemente inofensiva, pero que puede conducir a sus víctimas al peligro o a la muerte.

Es un personaje tipo, normalmente una una villana
que usa la sexualidad para atrapar al desventurado héroe. Se la suele representar como sexualmente insaciable. Aunque suele ser malvada, también hay mujeres fatales que hacen de heroínas. En la actualidad, el arquetipo suele ser visto como un personaje que constantemente cruza la línea entre la bondad y la maldad, actuando sin escrúpulos sea cual sea su voluntad.
De una parte genera al protagonista atracción sexual y por otro lado le da miedo, por la muerte. Su presencia se ha interpretado como una marca subversiva; con ella aparece un personaje mucho más fuerte de lo que nos había tenido acostumbrados el cine clásico y resta protagonismo al héroe.
El destino final de la femme fatale suele ser la muerte o la cárcel.

El género de los géneros, quizás el más ligado a la tradición literaria y uno de los más norteamericanos.

http://www.filmaffinity.com/es/moviegenre.php?genre=F-N

http://johannes-esculpiendoeltiempo.blogspot.com.es/2012/07/las-diez-mejores-peliculas-del-cine.html

http://www.bandejadeplata.com/articulos-de-cine/mis-10-peliculas-de-cine-negro-film-noir-imprescindibles-perdicion-pasado-mal-eterno-atraco/

Películas recomendadas 2012

Faltan unos días para acabar el año y es momento de empezar a hacer cuentas, medias y listas personales de las mejores películas vistas en esos 365 días.

La entidad cinematográfica estadounidense American Film Institute (AFI) ha publicado la lista donde se recogen, a su parecer, las mejores diez películas del 2012.
En suspense destaca “Argo”, interpretada y dirigada por Ben Affleck, que narra la acción secreta entre la vida y la muerte emprendida para liberar seis estadounidenses durante la crisis de los rehenes en Irán.
“Zero Dark Thirty” es un thriller que relata la operación militar que acabó con la vida del terrorista Osama Bin Laden y entra también en la lista.
Para la AFI, en el mundo de la fantasía la estrella es “The Dark Knight Rise”, la tercera y última entrega de la saga Batman del director Cristipoher Nolan. La película ha generado opiniones más que positivas entre los críticos norteamericanos.
Mismo género es el de “La vida de Pi”, escrita por Yann Martel. El protagonista es Piscine “Pi” Molitor Patel, un joven de la India que indaga sobre la religión, espiritualidad y lo factible desde una edad temprana, y sobrevive 227 días en un bote junto con un tigre de bengala después del naufragio de su barco en el Océano Pacífico.
Si hablamos de western, pero no del clásico, nos encontramos con “Django Unchained” escrito y dirigido por Quentin Tarantino. Ambientada en el sur de los Estados Unidos antes de la Guerra de Secesión, la película gira en torno a la esclavitud, que el director trata sin medias tintas, con su estilo y sus imágenes extremas.
La adaptación del musical de “Los miserables”, con el transfondo del siglo XIX en Francia, cuenta una historia sobre sueños rotos y un amor no correspondido, la pasión, el sacrificio y la redención, y un testimonio sobre la supervivencia del espíritu humano.

De entre las películas más vistas del 26 de noviembre al 2 de diciembre del año 2012 están en primer lugar “Saga Crepúsculo: Amanecer (Parte II)”, seguida de “Lo Imposible”, “Hotel Transilvania”, “Skyfall”, “Fin”, “Golpe de efecto” y “En la mente del asesino”. Solo dos de ella son producción española.


Entre las películas españolas más interesantes estrenadas este año están “Blancanieves”, de Pablo Berger. Una original visión del popular cuento de los hermanos Grimm, ambientada en los años 20 en el sur de España. La película recrea fielmente la forma de vestir, los sombreros, los automóviles y todos los detalles de la época. Es también un homenaje al cine.


“Lo imposible” la historia de una familia atrapada, con decenas de miles de extranjeros, en el caos de una de las peores catástrofes naturales de nuestro tiempo, el tsunami de Indonesia. Después del gran éxito de “El Orfanato” JA Bayona regresa con el que promete ser el evento cinematográfico del año: “Lo imposible”. Basada en una extraordinaria historia real ocurrida durante el tsunami que asoló la costa del Sudeste Asiático en 2004

Primera película europea de animación stop-motion estereoscópica “O Apóstolo”.
Un convicto recién fugado de la cárcel, tratará de recuperar un botín escondido años atrás en una solitaria y apartada aldea; pero lo que allí encontrará supone una condena aún mayor de la que ya huyó. Xanaz, se convirtió en un pueblo maldito, ninguno pudo salir nunca de allí para contarlo....hasta ahora.

“Luces rojas” dos investigadores de fraudes paranormales, estudian los más diversos fenómenos metapsíquicos con la intención de demostrar su origen fraudulento.


“Arrugas” es un largometraje de animación 2D para un público adulto basado en el aclamado cómic del mismo título de Paco Roca donde se narra la amistad entre Emilio y Miguel, dos ancianos recluidos en un geriátrico. Emilio, que acaba de llegar a la residencia en un estado inicial de Alzheimer será ayudado por Miguel y otros compañeros para no acabar en la planta superior de la residencia, el temido piso de los asistidos.



“Operación E” está inspirada en la historia real de Clara Rojas, secuestrada por las FARC junto a Ingrid Betancourt en 2002.

Durante sus 6 años de cautiverio, Rojas tuvo un hijo con uno de los guerrilleros. En el momento de dar a luz, la guerrilla arrebata al niño de su madre.
José Crisanto es un campesino que vive con su familia en la jungla colombiana, una región donde las FARC imponen su ley. Los guerrilleros le entregan un bebé al borde de la muerte para que lo cure y lo cuide, bajo amenaza de muerte. Crisanto se ve obligado a huir con toda su familia para salvar sus vidas y la del niño, convirtiéndose en desplazados por la violencia que la guerrilla y los paramilitares ejercen en una gran parte del país.



“Extraterrestre” Julio se despierta con una terrible resaca y sin recordar nada de lo sucedido la noche anterior junto a una chica preciosa en su apartamento. Ella quiere que se vaya de la casa pero una invasión extraterrestre le sirve como excusa para quedarse, ya que él se ha enamorado de ella nada más verla...



http://www.elblogdecineespanol.com/?p=9230

http://www.mcu.es/cine/CE/Actualidad/PeliculasVistas.html

http://www.cinedor.es/peliculas-espa%C3%B1olas-2012

Stop- Motion

El Stop-Motion es una de las técnicas de animación más antiguas y más utilizadas en la industria del cine. También llamada animación cuadro a cuadro o animación en volumen es una técnica que consiste en aparentar el movimiento de elementos estáticos capturando fotografías, haciendo ligeros cambios a los mismos entre cada toma.
En general se denomina animación de Stop-Motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, ni en la de animación por ordenador; esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad.

Esta forma de animar la podemos considerar como animación en estado puro, debido a que se construye el movimiento fotograma a fotograma; manipulando el muñeco con las propias manos.
Posee una gran riqueza de métodos y variantes. Hay dos grandes grupos e Stop-Motion, la animación en plastilina (o cualquier material maleable), en inglés Claymation) y las animaciones de objetos más rígidos.
A su vez, la animación realizada con plastilina puede hacerse al estilo libre, es decir, cuando las figuras se van transformando durante el proceso de animación.
Para lograr una animación consistente, los personajes poseen una armadura articulada en su interior que se recubre de plastilina.

La pixilación es una variante en la técnica que consiste en tomar imágenes de una persona manteniendo una postura fija para cada fotograma, convirtiéndose ésta, en una marioneta humana.

Entre sus pioneros se encuentra el soviético Ladislaw Starewicz, quien en el año 1912 realiza una de las primeras películas en Stop-Motion utilizando como modelos insectos reales, “La venganza del camarógrafo”, donde la familia escarabajo se destruye por causa de la infidelidad de los esposos.





Se tienen que hacer aproximadamente entre 1500 y 2000 tomas fotográficas para que el ojo humano pueda percibir el movimiento. Una película normalmente corre a 24 cuadros por segundo (fps). En general se anima en “dobles”, exponiendo cada cuadro dos veces, con lo que se hacen doce deformaciones al material para producir por segundo.
Se debe tener mucho cuidado con la iluminación y el fondo de la escenografía.

Alunas películas actuales hechas con esta técnica son por ejemplo:
La novia cadáver



Chicken Run: evasión en la granja



O Apóstolo


Esta técnica posee un gran mérito ya que quien decide hacer un vídeo en Stop-Motion no solo necesitar escribir y planear un guión, sino también manipular completamente a los personajes a cámara lenta.

http://stopmotion.bjoernen.com/

http://www.stopmotion.cat/

http://puppetsandclay.blogspot.com.es/

NotodofilmFest

Jameson Notodofilmfest es un festival de cine que nace en el año 2001 con la intención de apoyar y servir de escaparate a los jóvenes creadores audiovisuales a través de un nuevo medio, Internet; y que además rompe con las barreras de producción y distribución de películas.

El festival es una iniciativa de La Fábrica a partir de una idea original de Javier Fesser y su objetivo es poner Internet al servicio del cine como fórmula para descubrir el nuevo talento, para poder experimentar con un nuevo medio al alcance de todos, y para conseguir una amplia difusión. Con diez ediciones a sus espaldas, es muy conocido en España como la convocatoria de referencia del cine en Internet.

Jameson Notodofilmfest ha alcanzado una alta participación y audiencia internacional: más de 9.000 cortometrajes presentados a concurso en diez ediciones, películas de 38 países diferentes, 21 millones de espectadores y sustanciosos premios repartidos en diferentes categorías, que incluyen además becas de formación y ayudas a la producción de proyectos audiovisuales.

El jurado de cada edición está formado por realizadores reconocidos que producen además un cortometraje para el festival: Guillermo del Toro, Bigas Luna, Alejandro Amenábar, Alex de la Iglesia, Javier Fesser, David Trueba, Isabel Coixet,  Jaume Balagueró... son solo algunos de ellos.

Este año el presidente del jurado será Rodrigo Cortés y formarán parte del jurado Alberto Rodríguez, Mateo Gil, Javier Fesser, Claudia Llosa, Mariano Barroso y Ernesto Alterio.
Como siempre, tienen un montón de categorías para reconocer tu talento. Estos son algunos de los premios que puedes ganar:

- Gran premio Jameson a la Mejor Película, dotado con 6.000 € y un viaje a Dublín para visitar la destilería de Jameson y un pack de alquiler HD Rent de la cámara Red Scarlet -X y todo el material técnico necesario para rodar un corto con una copia digital de la película ganadora realizada por DCPCine.
- Premio Plus Ultra al Corto más Visto, el cortometraje más visto por la audiencia de Jameson Notodofilmfest recibirá 1.500 € de premio.
- Premio TAI al Mejor Director. El ganador obtendrá como premio el rodaje de un cortometraje de calidad profesional valorado en 12.000€ con los medios artísticos y técnicos de la Escuela Universitaria TAI. TAI - - Producciones se encargará de producir el futuro proyecto del ganador.
- Premio al Mejor Actor/Actriz, una beca para cursar un seminario intensivo en el Estudio Corazza para el actor.
- Premio del Público: el corto más votado por los espectadores, recibirá 500 €.

El año pasado uno de los finalistas fue el conocido “Doble Check”:



El corto "Los gritones" fue el ganador del Premio Especial del Jurado en la octava edición de Notodofilmfest.



Y el famoso “Tía, no te saltes el eje” de Kike Narcea se presentó en el año 2006.



Estos son algunas muestras de las buenas ideas y la originalidad que se puede ver en este festival Online.

http://www.jamesonnotodofilmfest.com/

http://www.facebook.com/notodofilmfest

http://bloguionistas.wordpress.com/tag/notodofilmfest/

Bandas sonoras (BSO)

Banda sonora es la parte de sonido completa y el resultado de la edición de diferentes pistas de sonido. Término también conocido como banda sonora original (BSO).

Normalmente el término se refiere solamente a la música de una película o a la comercialización de los temas musicales de una obra como videojuegos, programas de televisión y radio.
Desde un punto de vista musical, la banda sonora es aquella música tanto vocal como instrumental compuesta expresamente para una película, cumpliendo con la función de potenciar aquellas emociones que las imágenes por sí solas no son capaces de expresar.

Algunos de los compositores de bandas sonoras para el cine más conocidos son Ennio Morricone encargado de películas como “El bueno, el feo y el malo”, John Willians con “Star Wars”, Harry Potter” “ET. El extraterrestre” o “Indiana Jones” entre otros.

Los primeros intentos de incorporar la banda sonora a las películas se basaban en el funcionamiento a la par,  del proyector y un fonógrafo.
Cuando el cine era mudo el propio público pedía acompañamientos musicales a lo que veía, y esto se llevaba a cabo bien a través de una pequeña banda de música que tocaba a la vez que se veía la película, o bien por medio de pianos o gramófonos.
También se presentaban las películas o se narraban por alguien del propio cine o por alguno de los actores o realizadores, en las proyecciones más destacadas. Si alguna cinta perdía interés por parte del público, se le animaba en ocasiones con números musicales o actuaciones de toda índole, antes, durante o después de la proyección.
Otro avance significativo se dio con la creación del cronófono, con el que se consiguió una mejor sincronía entre las canciones que reproducía el fonógrafo y las imágenes, aunque aún tenía fallos muy apreciables.
Compañías estadounidenses investigaron y crean sistemas para poner sonido en la propia película, destacando el sistema Vitaphone que hizo que la Warner Bros saliera del bache en el que estaba con el cine mudo. Así se crearon las primeras películas sonoras, con música pero sin habla.
La primera película sonora es “El cantante de Jazz” o “El cantor de Jazz” y no es hablada sino cantada.

Una banda sonora componerse de un tema de entrada, inicio o cabecera, que suele ser el tema o canción que da comienzo a la película o serie para la que ha sido compuesta, también se le conoce como opening o main title, en inglés.
Luego encontramos la música de fondo o incidental que es el conjunto de temas que representan el grueso de la composición dentro de una banda sonora. Pueden ser instrumentales o cantados. También puede haber canciones o temas de autores diferentes al que compuso en origen la obra musical; a una canción de ese tipo se le llama canción insertada.
Por último está el tema de salida, cierre o final que suele ser el tema o canción que suena junto con los créditos finales de la película o serie para la que ha sido compuesta. También se le conoce como ending o closing, en inglés.

Bandas sonoras tan conocidas que con solo escuchar una pequeña parte ya sabemos en qué película estamos:

La pantera rosa
Amelie
La vida es bella
Forrest gump
Titanic
Ghost

El lenguaje de la música transmite emociones comunes que cualquier persona reconoce.

http://www.mundobso.com/es/noticias.php

http://www.cinebso.com/

http://es.classora.com/reports/h49158/ranking-de-las-mejores-bandas-sonoras-de-la-historia-del-cine